Nos últimos anos, Hollywood entrou em um ciclo de adaptações em live-action, versões com atores reais de histórias já conhecidas, movimentando bilhões de dólares e levantando dúvidas sobre a criatividade dos estúdios.
A Disney é quem lidera essa tendência atualmente, mas não está sozinha nem foi a primeira. O que são empresas apostando em releituras que pouco acrescentam e, em alguns casos, parecem fora de controle.
Leia também
Antes mesmo do remake de “Alice no País das Maravilhas” estourar em 2010, a Disney já testava os live-actions pontualmente, como em “101 Dálmatas” lançado em 1996, que foi bem recebido e até ganhou uma sequência nos anos 2000. Mas foi o sucesso bilionário do filme de Tim Burton que acendeu o alerta entre os executivos para o potencial comercial desse formato. Outros estúdios também já haviam tentado.
A Warner Bros., por exemplo, lançou “Scooby-Doo” em 2002, marcando a estética exagerada das adaptações da época. Os filmes com atores baseados em brinquedos e games, como “Mestres do Universo” e “Super Mario Bros.”, também buscaram levar personagens populares para o cinema, mas foram extremamente criticados por distorcerem demais as obras originais.
Antigamente, remakes tinham propósito: atualizar tramas, reimaginar histórias ou aproveitar novas tecnologias. O foco não era lucro imediato e sim uma nova leitura com relevância. É o caso de “Scarface”, com Al Pacino, que reinterpreta um filme de 1932, mas adaptando o contexto para a Miami dos anos 80 e os conflitos do tráfico de drogas.
A mudança de cenário trouxe impacto e fez do filme um clássico por mérito próprio. Outros exemplos notáveis incluem “Os Infiltrados”, de Martin Scorsese, que reinventou a produção asiática “Conflitos Internos”, conquistando Oscar de Melhor Filme em 2007, provando que a recriação pode ir além da simples cópia.
O domínio da Disney e o desgaste do formato
Nos tempos atuais, a Disney adotou os remakes em live-action como marca registrada. “A Bela e a Fera”, “O Rei Leão”, “Aladdin”, “Mulan” e muitos outros foram refeitos e diversos outros já anunciados. A estratégia se sustenta em três pilares: apostar em marcas conhecidas, explorar a nostalgia e reduzir custos criativos.
Afinal, personagens já consagrados garantem bilheteria e alcance global. Sabendo disso, o estúdio aposta no engajamento automático desses lançamentos, que geram comentários, vendas e audiência antes mesmo da estreia. Mas o excesso está cobrando um preço.
O caso mais evidente foi “Branca de Neve”, criticado pelas decisões criativas, polêmicas com o elenco e uma estética pouco convincente. A decisão parecia sinalizar um desgaste real do formato dentro do estúdio, mas essa pausa durou pouco.
O remake de “Lilo & Stitch” surpreendeu, ultrapassando US$ 1 bilhão e garantindo uma sequência. O resultado mostrou que o público ainda responde quando o material é tratado com carinho e mantém o apelo emocional. Ou seja, o problema não está apenas no excesso, mas no trato com o material: nostalgia usada com cuidado vira retorno; produto vazio é rejeitado.
Outras empresas também seguem esse caminho. A Netflix, por exemplo, adaptou animes como “Death Note”, que foi massacrado pelos fãs e crítica especializada, e “One Piece”, com boa recepção, embora ainda exista o desafio de manter a qualidade nas próximas temporadas da série.
A Warner também tenta encontrar espaço, com a futura série de “Harry Potter” e o recente sucesso “Barbie”. A indústria asiática, especialmente a japonesa, tem apostado em adaptações de animes para cinema, com resultados igualmente irregulares.
Limites da corrida pela nostalgia
Recentemente, a notícia de um live-action de “Guerreiras do K-Pop” causou estranhamento. A animação original, lançada em junho deste ano, foi um sucesso de público e crítica, com estética vibrante e músicas que se tornaram populares.
Porém, a franquia está em expansão, com novas sequências sendo planejadas, tornando a adaptação com atores reais uma decisão apressada e desnecessária.
A principal dúvida que surge é simples: para quê? A força da animação está justamente no visual estilizado, nas coreografias exageradas e nos efeitos que só funcionam nesse formato. Tentar levar isso ao realismo pode destruir o charme original.
Além disso, há uma questão de saturação do mercado. Quando tudo é transformado em live-action, perde-se a sensação de evento especial. O público passa a enxergar os lançamentos como previsíveis e pouco ousados. O risco, nesse cenário, é criar uma geração acostumada a consumir apenas o que já conhece, sem espaço para narrativas originais. Isso enfraquece novos criadores e reduz a diversidade de vozes na indústria.
O que vemos é uma corrida para transformar qualquer novidade em franquia, antes mesmo de consolidar o que já existe. O live-action virou mais uma estratégia comercial, pensada para lucrar o máximo possível enquanto o interesse dura. Esse cenário deixa claro como o conceito foi distorcido. Antes uma homenagem ou reinvenção criativa, agora virou produto de marketing.
A nostalgia, quando exagerada, também perde valor com o tempo. A febre dos live-actions deve continuar por um tempo, mas os sinais de desgaste já aparecem. Recontar histórias sempre é uma decisão válida, mas desde que haja propósito, originalidade e respeito ao material de origem para justificar a sua existência e agradar o público.
Repórter
Jornalista em formação pela Estácio de Sá, faz parte da redação da TV Vitória e está à frente do quadro "Só Soundtrack Boa" na Jovem Pan Vitória. Com olhar atento e conhecimento de cinema e cultura pop, escreve sobre filmes, séries, bastidores e tudo que movimenta esse universo pop.
